L'histoire intérieure derrière Marillion's Brave

Marillion - Brave

Steve Hogarth n'a jamais connu le nom de "The Girl Who Didn’t Jump". Il ne se souvient même pas quand il a entendu parler d'elle pour la première fois. C'était au milieu des années 80, à l'époque où il était membre de How We Live. Hogarth a entendu parler d'elle lors d'une émission de radio: comment la police avait ramassé une adolescente qui errait, perdue et confuse, sur le pont Severn entre l'Angleterre et le pays de Galles. Le pont est un point névralgique du suicide depuis son ouverture en 1966, un aimant pour les âmes en difficulté comme la fille sans nom. Elle a refusé de donner son nom, a même refusé de parler. La police a demandé des informations à la radio et à la télévision, date à laquelle Hogarth a entendu parler d'elle. "Je pensais:" Cela ressemble à la première page d'un roman mystère ", se souvient-il. "Je l'ai griffonné et j'ai oublié." Mais il ne l'a pas fait, pas tout à fait. L'histoire de La fille qui n'a pas sauté est restée profondément dans l'esprit de Hogarth, flottant juste sous les vagues de son subconscient, ne refaisant pas surface mais ne coulant pas non plus.C'est en 1992 que Hogarth a repensé à elle correctement. Il était alors le chanteur de Marillion, le groupe qu'il avait rejoint quelques années plus tôt. C'est pendant que Marillion écrivait des chansons pour un nouvel album que Hogarth a raconté à ses camarades l'histoire de The Girl Who Didnt Jump – une histoire qui allait devenir le cœur battant du disque. L'album qu'ils ont construit autour de lui, Brave, allait tourner être le plus important de leur carrière. Cela déterminerait leur avenir – ou s'ils en avaient même un. Cela les a finalement réunis en tant que groupe tout en endommageant irrévocablement leur relation avec leur label de longue date, EMI, et en repoussant toute une bande de leurs fans. Cela les a finalement mis sur une voie tumultueuse et souvent douloureuse qui les a amenés là où ils sont aujourd'hui. Mais si Brave semblait à l'époque comme un énorme pari qui s'est retourné contre nous massivement, il se présente aujourd'hui comme le grand album concept des années 1990 et un chef-d'œuvre méconnu. À une époque où les idiots régnaient, c'était un phare d'intelligence et de profondeur.L'histoire de la fille sur le pont de Severn pouvait être lue comme une métaphore de Marillion, uniquement à l'envers. La fille n'a jamais sauté, mais Marillion l'a fait. "Brave était le point où les pièces du puzzle se sont réunies", dit Hogarth. «Nous sommes devenus cet autre groupe, avec moi dedans. Nous sommes devenus le groupe que nous sommes maintenant. »
Marillion a sorti Brave en 1994, mais cela reste frais dans leur esprit. Aujourd'hui, c'est principalement parce que The Racket Club, leur base / studio / antre à la périphérie d'Aylesbury, est animé d'une équipe de personnes emballant des éditions spéciales de vinyle de la toute nouvelle réédition vinyle de luxe de l'album dans de grandes enveloppes, prêtes à envoyer en dehors. Hogarth, le claviériste Mark Kelly et le batteur Ian Mosley se relaient pour monter à l'étage dans le bureau du groupe afin de revenir sur l'album. Le guitariste Steve Rothery et le bassiste Peter Trewavas se souviennent respectivement par téléphone et Skype – les deux sont hors du pays, le premier jouant un concert solo à Copenhague, le second travaillant sur un projet mystère à Baltimore aux États-Unis. "Vous le découvrirez en temps voulu", dit-il énigmatiquement. A juste titre, c'est ici que Brave a commencé à prendre forme il y a un quart de siècle – ou du moins à proximité, dans une autre unité à quelques portes plus loin, la maison du Racket Club d'origine. «Je me souviens que Steve H et moi y allions quand personne n'était là et que nous avions ces petites séances de nuit», explique Kelly. "Et la première partie de l'album a eu lieu lors d'une de ces sessions nocturnes." Pour aller au cœur de l'album qui allait changer la carrière de Marillion, il faut comprendre ce qui l'a précédé. Hogarth l'a rejoint en 1989, après le départ du chanteur original Fish. Ce nouveau partenariat a démarré avec la saison 1989's End, le premier album qu'ils ont fait avec Hogarth. C'était en partie un acte de défi. "Beaucoup de gens s'attendaient à ce que nous échouions sans Fish", explique Kelly. «Mais nous étions tous très heureux de travailler ensemble et tout a été très rapide. Mais nous ne nous sommes pas vraiment arrêtés pour faire le point et nous dire: "Quel genre de groupe voulons-nous être maintenant?" "S'ils ne se connaissaient pas, leur label, EMI, avait une bonne idée. Ils ont pensé que les antécédents de Hogarth dans des actes de poppier comme The Europeans et How We Live aideraient à pousser ce groupe parfois complexe vers le juste milieu musical. "Si vous aimiez Marillion, vous ne le saviez pas vraiment", explique Ian Mosley avec ironie. "C'était comme si quelque chose de terrible vous était arrivé." Pour leur prochain album, Holidays In Eden, EMI a associé Marillion au producteur de Mike And The Mechanics Chris Neil. "La maison de disques était très excitée à propos de Steve et d'avoir une voix plus commerciale dans », explique Pete Trewavas. «Ils pensaient à Mike And The Mechanics et à hitsville.» Il était bien sûr plus facile de dire que de produire des singles à succès. Alors que la vague d'excitation qui avait alimenté Seasons End commençait à s'estomper, le fossé entre les deux parties constitutives de Marillion devenait de plus en plus évident. "Avec Holidays In Eden, nous l'avons commencé avec une ardoise vierge, puis tout à coup, nous avons été confrontés à cette problème que H aimait travailler rapidement et voulait écrire une chanson par jour, et nous nous disions: «Vous devez la laisser mûrir, la laisser six mois, y revenir, voir si vous l'aimez toujours», » dit Kelly. "C'était absurde", s'amuse Hogarth. Les différents modes opératoires ont provoqué des frictions. À un moment donné, la chanteuse a même été renvoyée du studio résidentiel pendant que le groupe travaillait sur la musique. «Cela a créé une certaine tension», explique Kelly. "On se sentait toujours comme nous quatre et lui vraiment pas vraiment gélifiant." Holidays In Eden n'a pas tout à fait transformé Marillion en nouveau Mike et The Mechanics. L'album a atteint le n ° 7 dans les charts britanniques, bien qu'il se soit rapidement estompé. Il n'a jamais atteint le public croisé que leur label espérait, tandis que les fans hardcore du groupe se méfiaient de son approche plus brillante. "Je suppose que vous pourriez dire que c'était un peu un album" Marillion-lite "à certains égards", dit Pete Trewavas. Plus d'une décennie après leur carrière, Marillion avait appris une leçon précieuse. «Nous avions le sentiment que nous avons essayé de le faire à la manière d’EMI, nous avons essayé de faire un disque commercial, et cela n’a pas vraiment fonctionné», explique Steve Rothery. "Donc, faisons ce que nous aimons – ça vendra ou ça ne se vendra pas, mais au moins nous serons satisfaits sur le plan artistique." Leur prochaine étape serait d'aller dans la direction opposée. Si Holidays In Eden était rapide, brillant et finalement un compromis, Brave était tout sauf. Entre Holidays In Eden et Brave, plusieurs choses importantes ont changé dans le monde de Marillion. Certaines de ces choses étaient sous leur contrôle, d'autres non. Une décision clé qu'ils ont prise a été d'équiper le Racket Club d'origine avec de nouveaux équipements, en utilisant leur avance pour le prochain album. "Le label était vraiment contre", dit Kelly. «Mais nous avons dit:« Nous pouvons l’utiliser pour plusieurs albums », ce qui était vraiment une bonne chose. Cela nous a essentiellement préparé quand nous avons ensuite été abandonnés par EMI. »C'est là que le groupe a commencé à écrire le nouvel album. C'était comme une chance pour eux de bien commencer à travailler ensemble après le faux départ de Holidays In Eden. «Le sentiment a changé, l'environnement de ce que nous faisions est devenu un peu plus terreux et moins glamour», explique Hogarth. «Cela aurait pu déteindre.» Mais quelque chose d'autre avait changé – quelque chose qui échappait à leurs mains. Marillion avait reçu un nouvel homme A&R, un jeune hotshot nommé Nick Mander. Dans le récit du groupe, Mander voulait qu'ils adoptent une approche différente pour faire l'album. Hogarth révèle: «Nick Mander a déclaré: 'J'ai promis aux garçons à l'étage qu'il n'y aurait pas de ce long budget tentaculaire et gros, envisageant votre nombril pendant six mois – nous allons avoir un producteur qui est beaucoup plus indépendant et avec les enfants, nous allons faire un album rapide, brut et brut. "J'étais prêt. Mais, bien sûr, c'est moi qui aime travailler rapidement. Ils étaient tous (inquiets): "Ooh …" "" Nous pensions que c'était fou ", dit Trewavas. «Nous pensions que le pauvre type était suspendu pour sécher. On vous dit de demander à Marillion de faire quelque chose de rapide et de rapide? Nous n'en sommes clairement pas capables. Nous avons pensé: «Il rit. Réalise-t-il ce que nous faisons et comment nous le faisons? ». La première décision de Mander fut de présenter le groupe à Dave Meegan, qui avait récemment travaillé avec le groupe indie à succès fulgurant de Manchester The Milltown Brothers. Il ne savait pas que Meegan avait déjà une relation avec Marillion – il avait été un jeune magnétophone des studios Sarm East à Londres, quand ils avaient enregistré Fugazi une décennie plus tôt. "C'était un groupe différent et ce n'était pas le cas", explique Meegan aujourd'hui . "Évidemment, Steve est une personne très différente de Fish, mais la méthodologie du groupe était la même." Cette méthodologie a sonné avec la propre de Meegan. Il a appris son métier en travaillant pour Trevor Horn, et la minutie du producteur Yes / Buggles avait disparu. «Nous aimons travailler lentement et explorer toutes les alternatives, réfléchir à la musique et faire beaucoup de grattements de menton et de hochements de tête», explique Trewavas. "Et Dave était exactement le même:" C'est intéressant, voyons où cela nous mène … "Et entre nous, nous avons juste pensé:" Nous prendrons aussi longtemps que nous le voulons. "Et nous l'avons fait." La troisième chose qui est arrivé qui a changé le cours de Brave, et par extension la carrière de Marillion, c'est qu'ils ont soudainement eu la possibilité d'enregistrer dans un château honnête à Dieu dans le sud de la France. Le château, situé à Marouatte en Dordogne, appartenait à Miles Copeland, chef du label américain IRS du groupe et frère du batteur de police Stewart Copeland. "Nous avons aimé cette idée", explique Hogarth. "Ouais, trouvons une maison parce que ça va réduire les coûts. Nous aurons quelque chose avec une ambiance et irons y travailler. "Nous pensions tous que cela ferait un album intéressant et une aventure." Et donc, en février 1993, Marillion et leur équipement se sont retrouvés en route vers le sud de la France pour commencer à travailler sur leur nouvel album «rapide, brut, brut». «J'ai roulé là-bas avec Mark toute la nuit», se souvient Rothery. «Nous sommes arrivés juste après l'aube. Vous le voyez sur la colline, et c'est une maison d'horreur Hammer en gros. »Meegan a installé l'équipement du groupe dans le grand salon gothique, et son contrôle à l'autre bout du château, dans la chambre principale. "Le grand lit à baldaquin était toujours là-dedans", dit-il, "alors j'ai mis toutes mes affaires autour." Ils n'allaient pas froid dans les séances. Ils avaient des riffs et des accords pour les chansons qui deviendront The Great Escape et Hard As Love, remontées à Aylesbury. Rothery avait écrit l'intro du dernier morceau de l'album, Made Again, pour sa fille nouveau-née. "Brave était le premier album que nous ayons écrit entre nous cinq", dit Rothery. «C'était la première fois que nous devions nous arrêter. Et parce que c'était un album conceptuel, nous avons tous trouvé facile de comprendre ce que nous essayions de faire avec. »C'est Hogarth qui a eu l'idée de faire de Brave un album conceptuel. «J'avais une chanson qui est devenue Living With The Big Lie sur ce à quoi les êtres humains sont capables de s’habituer. Nous sommes câblés pour nous habituer à quoi que ce soit, aussi obscène soit-il – cela nous choquera à nouveau la deuxième fois, puis la troisième fois, c'est comme ça que ça se passe », dit-il. «Cela m'a ramené à la fille sur le pont et à l'émission de radio.» Hogarth a fait passer la suggestion devant ses camarades de groupe. "Et ils ont tous sauté dessus comme si je leur avais préparé un thé à la crème:" Nous en aurons un peu! "", Dit-il. Marillion était déjà venu ici. Leur dernier album concept à part entière, Misplaced Childhood de 1985, était leur plus grand succès et avait sauvé leur carrière. Mais si l'idée d'un album concept n'avait pas été cool à l'époque, elle semblait maintenant suicidaire. «Oh oui», dit Hogarth. "Mais on s'en fout. Nous avons appris il y a longtemps que ne pas se soucier de ces choses était la voie à suivre. »Ils sont rapidement tombés dans un schéma de travail efficace: petit-déjeuner, matin de travail, pause déjeuner, retour au travail, manger, peut-être avoir quelques vins, puis continuer travailler le soir. La batterie d’Ian Mosley a été la première chose enregistrée. «Nous avons passé un bon moment à obtenir le son de la batterie et à expérimenter», explique Mosley. "Dave a vraiment aimé expérimenter, parfois au point où je pensais:" Je ne jouerai pas mieux celui-ci. "" "Dave a commencé à éditer la batterie et a continué", dit Rothery. «Pendant des jours et des jours et des jours et des jours. Nous nous sommes juste assis à dire: «Que fait-il? Perd-il l'intrigue? ». Les jours se sont transformés en semaines et les semaines ont commencé à s'étirer. Le deuxième mois, le groupe commençait à s'énerver. Ils ont convoqué une réunion avec Meegan dans la salle à manger du château. "Nous avons dit à Dave:" Pouvons-nous avoir une conversation? "", Explique Hogarth. «Nous avons dit:« Nous sommes tous un peu inquiets du temps que cela prend, Dave. »Et il a dit:« Eh bien, selon moi, nous pouvons soit faire un disque, soit faire un chef-d'œuvre. Et je pense que ça pourrait être ça. Alors, dites-moi ce que vous voulez que je fasse. »Et nous avons tous dit:« Faisons un chef-d'œuvre »et ce fut la fin.» Alors que Meegan et le groupe travaillaient, les chansons ont commencé à se concentrer, tout comme le concept global – pas tant un récit simple sur la fille sur le pont qu'une série d'instantanés montrant comment elle y est arrivée. Selon Hogarth, bon nombre des paroles comportaient des éléments autobiographiques à peine déguisés: Living With The Big Lie, Brave lui-même, et surtout The Hollow Man. "The Hollow Man était une confession de l'endroit où j'en étais, personnellement", dit Hogarth. «Je venais dérangé. Je devenais de plus en plus brillant et Jean Paul Gaultier vêtu à l'extérieur, et perdu à l'intérieur. Ma femme me trouvait fœtale parfois au rez-de-chaussée quand elle entrait. C'était en tournée, essayant d'être le père de deux petits enfants et de ne pas être fait pour ça, du moins je le sentais; être amoureux de trop de gens et de trop de choses. Et juste essayer d'équilibrer tout cela et de livrer une sorte de travail incroyable qui relancerait la fortune du groupe. »Toutes les chansons ne correspondaient pas au concept. Le hard rock palpitant de Paper Lies, inclus sur l'insistance de Meegan pour donner un coup de fouet au flux musical autrement morose de l'album, a été à l'origine inspiré par la mort du magnat du journal tordu Robert Maxwell et n'a été rétrospectivement encombré que dans le récit existant. En clin d'œil au sujet de la chanson, décédé dans des circonstances mystérieuses après être tombé de son yacht, cela se termine par une énorme éclaboussure – quelque chose que le groupe a enregistré en lançant un rocher d'un radeau fait maison dans une grotte près du château. Ce niveau de détail était admirable, mais il n’a pas impressionné les payeurs du groupe chez EMI. Ce n'est pas que Marillion eux-mêmes était concerné. "Nous n'avons pas été gênés par le fait que Nick Mander commençait à se déchaîner du fait que nous n'avions pas fait grand-chose", explique Kelly. "Tant que nous ne tirions pas sur la prise, ce que nous ne pensions pas pouvoir faire." Ils ont passé trois mois au total à Marouatte – plus que suffisamment de temps pour faire un enregistrement. Mais Marillion et Meegan étaient loin d'être terminés. En été, ils ont décampé au Parr Street Studio de Liverpool pour continuer l'enregistrement. À Londres, EMI devenait de plus en plus effrayé par le temps qu'il fallait pour réaliser cet album «brut, prêt, rapide». Les relations devenaient de plus en plus tendues. Le groupe dit que Nick Mander a fait sauter son haut quand ils ont acheté une machine à café à 30 £. Une autre fois, Hogarth a déclaré au label qu'il avait besoin d'une semaine de congé. «J'allais soit partir en vacances en famille, soit divorcer, ce qui était parfaitement raisonnable de la part de ma femme», explique Hogarth. «Et c’était comme:‘ EMI est devenu fou. Ils disent que vous ne pouvez pas. "Alors je suis monté dans un train et je suis allé à Londres pour voir le chef de A&R face à face et dire:" Je sais que vous pensez que nous sommes tous assis sur des chaises longues, mais nous " travailler très dur et faire un excellent record. »» Hogarth a obtenu ses vacances, mais EMI a refusé de relâcher la pression. Ils voulaient un album de Marillion, et ils le voulaient dès que possible. "Leur théorie était qu'il allait encore se terminer plus tôt sous la pression qu'il n'aurait sans", dit Meegan. "Mais ce genre d'album, vous devriez ressentir de la pression et de la tension – c'est ce dont il s'agit le plus." Marillion a passé encore quatre mois à Parr Street en plus des trois mois passés à Marouatte. Ni le groupe ni Meegan ne se disent préoccupés par le fait que l'album ne soit jamais hors de leur contrôle, mais Mark Kelly admet que des doutes persistants se sont glissés. "Nous sommes arrivés à la fin et je me souviens avoir pensé:" Et si c'était de la merde? " Et si personne ne l'aime? », Dit-il. "Quand vous allez aussi loin, il est possible qu'il arrive un moment où vous n'êtes tout simplement pas prêt à admettre que c'est terrible, à cause du temps que vous y avez investi." "Nous ne savions pas, même une fois terminé, ce que c'était », explique Hogarth. «Je me souviens de m'être senti très nerveux en écoutant les mixes. Être excité mais penser en même temps: «Ce genre de sons ressemble à la Quadrophénie ou quelque chose. Je ne sais pas ce que les gens vont en penser. »» D'autres nuages ​​d'orage se sont accumulés à l'horizon. EMI n'était pas du tout impressionné par le temps qu'il avait fallu à Marillion pour faire Brave. L'album "rapide, brut, brut" était arrivé plusieurs mois en retard, et certainement pas à bon marché. "Au moment où nous sommes arrivés à la fin de ces sept mois, l'écriture était sur le mur concernant notre relation avec le label", dit Rothery . «Nous avions réalisé un record fantastique et nous devions espérer qu'il réussirait suffisamment pour justifier cette énorme dépense et la détérioration de notre relation avec le label.» Pourtant, EMI n'était pas si énervé qu'ils ne l'ont pas fait. t prévoyez une grande sortie pour l'album au London Planetarium. L'idée était d'inviter divers journalistes et cadres de radio sans leur dire qui ils écoutaient. "C'était une grosse merde pour EMI", explique Kelly. «Ils ont essentiellement essayé de faire croire aux gens qu'il s'agissait d'un nouvel album de Pink Floyd, ce qui était une énorme erreur – ils pensaient que s'ils le faisaient, alors plus de gens viendraient à la lecture. Mais bien sûr, les gens sont venus et ont dit: «Qu'est-ce que c'est que ça? Ce n’est pas Pink Floyd! ». Pour un groupe qui avait longtemps critiqué les garçons, Brave a été étonnamment bien reçu. Le magazine Q a fait l'éloge de l'album, le qualifiant de «sombre et impénétrable». Hogarth rayonne à la description. "J'ai aimé cela. C’est un compliment. »Mais« sombre et impénétrable »n’est pas traditionnellement synonyme d’or commercial. Brave a gratté dans le Top 10 britannique par la peau de ses dents – leur album le plus bas à ce jour. Le premier single, The Hollow Man, atteint le n ° 30. Le suivi, le snappy Alone Again In The Lap Of Luxury, n'a même pas fait le Top 50.En toute honnêteté, le timing de Marillion était moche. Brave a été libéré juste au moment où le mouvement naissant de Britpop commençait à prendre forme. Un album conceptuel de 70 minutes sur une fille suicidaire allait toujours avoir du mal à côté de Blur ou Oasis. Mais c'était plus que les enfants pop de la nation que Marillion n'a pas réussi à attirer. L'album a laissé des sections de leur propre base de fans froides. "Nous savions que ce n'était pas immédiat", dit Trewavas. «Nous espérions juste que les gens lui donneraient l'heure de la journée et la laisseraient grandir sur eux.» Si Brave a commencé à séparer les fans de beau temps des purs et durs, alors la tournée a terminé le travail. Le groupe a choisi de jouer l'album du début à la fin, avec Hogarth jouant les personnages des chansons à la mode de Peter Gabriel. À un moment donné, cela a consisté à attacher ses cheveux en nattes et à mettre du rouge à lèvres pour jouer la fille elle-même. C'était un défi délibéré: êtes-vous avec nous dans ce voyage? "L'ambiance dans les salles de concert était, comme" Putain d'enfer, qu'est-ce que tout cela? "", Dit Mosley. "Quand nous sommes arrivés et avons fait le rappel et joué des chansons qui n'étaient pas de Brave, c'était un spectacle complètement différent. On pouvait physiquement voir les gens soupirer de soulagement. »Ni la tournée ni l’album n’ont fait grand-chose pour construire le public de Marillion – ni même le retenir. Brave a vendu environ 300 000 exemplaires – un bon nombre aujourd'hui, mais moins de la moitié de ce que Seasons End avait vendu cinq ans plus tôt. "C'était certainement un pas en avant par rapport à ce que nous étions auparavant, en termes de ventes", explique Kelly. La gestation prolongée de Brave, associée à son manque de succès apparent, a été remarquée en haut de leur étiquette. Le patron européen d'EMI, Jean-François Cecillon, a convoqué une réunion avec le groupe. "Il a dit:" J'ai besoin que vous me donniez un single sur votre prochain album ou c'est tout "," dit Kelly. "Ses mots exacts:" Je veux Cry Me A River. "Nous avons trouvé Beautiful, qui était la chose la plus proche d'un single que nous avions. Mais je ne suis pas sûr que nous étions le bon groupe à ce moment-là pour avoir frappé des singles. "Ils n'ont peut-être pas pu écrire des tubes sur commande, mais Marillion a concédé qu'ils devraient au moins penser à travailler plus vite sur leur prochain album. Ce record, Afraid Of Sunlight, est sorti un peu plus d'un an après Brave. Mais c'était trop peu, trop tard. Comme ils le soupçonnaient, l'écriture était déjà sur le mur. Le label les a abandonnés peu de temps après. "Nous sommes juste revenus au groupe que les médias détestaient", dit Kelly. "En ce qui concerne la presse musicale grand public, nous ne méritions pas de vivre. C'était comme d'habitude. »Ce qui s'est passé à côté de Marillion est une histoire en soi: comment un accord désastreux avec le label indépendant Castle a vu leur stock s'effondrer, comment ils ont eu l'idée de financer collectivement une tournée américaine et l'album Anoraknophobia qui a suivi. , comment ils ont créé un tout nouveau modèle commercial qui a non seulement assuré leur survie, mais les soutient – et tant d'autres groupes – à ce jour.Mais Brave a aussi sa propre histoire. Ce disque «sombre et impénétrable» s'est avéré difficile à vendre à l'époque, mais il a pris une vie après la mort. Ils l'ont revu deux fois au cours des 20 dernières années, en jouant intégralement en 2003 et à nouveau en 2011. «Nous avons perdu beaucoup de fans sur Brave», explique Hogarth. "Il n'a pas été bien reçu. Tout le monde regarde maintenant en arrière et dit: "Quel super album." Mais personne ne disait que le jour de sa sortie. "" Je pense qu'il a fallu au moins un an ou deux après sa sortie avant que les gens le voient pour ce que c'était "" dit Rothery. "C'est définitivement nous qui allons, 'C'est ce que nous faisons, c'est qui nous sommes – nous espérons que vous l'aimez, mais c'est le cours auquel nous nous sommes engagés.'" L'une des raisons de sa longévité est musicale: son attention le rythme, ses humeurs changeantes, l'attention au détail qui les a vu enregistrer le bruit de rochers éclaboussant dans l'eau dans des grottes du sud de la France. Mais cela représente aussi autre chose: c'était le record ultime des outsiders du groupe ultime des outsiders. "Les gens qui nous ont écoutés sont prêts à investir du temps", explique Mark Kelly. «Ils sont prêts à dire:« Oh, je n'ai pas vraiment compris, je vais l'écouter à nouveau »plutôt que« je n'ai pas vraiment compris, je vais passer à la suivante. chose. '' Si l'impact de Brave semblait négligeable à l'époque, il se sent aujourd'hui comme un point de repère. Cela a prouvé qu'il y avait encore de la place pour une musique conceptuelle intelligente et complexe dans les charts. Vous pouvez en retracer une ligne vers OK Computer de Radiohead (sorti seulement trois ans plus tard) et vers le magistral The Optimist d'Anathema, qui fait inconsciemment écho au voyage psychogéographique de Brave jusqu'à FEAR de Marillion, un album qui partage tant de caractéristiques avec Brave. pas ici pour jouer de la belle musique brillante que vous pouvez entendre n'importe où », explique Pete Trewavas. «Nous sommes ici pour faire quelque chose de différent et secouer quelques arbres et faire réfléchir les gens. J'espère que nous l'avons fait et j'espère que nous le ferons toujours. "Et qu'en est-il de la fille sur le pont qui a inspiré l'album, The Girl Who Didn’t Jump? Steve Hogarth se souvient avoir lu que ses parents sont venus la chercher et l'ont ramenée dans le West Country. "Je pense qu'ils ont tous vécu raisonnablement heureux pour toujours", dit-il, mais il ne sait rien de plus. Il soupçonne qu'ils pourraient être au courant de l'album, bien qu'ils n'aient jamais été en contact. Pourquoi le feraient-ils? Brave était une version fortement fictive d'un événement turbulent, et pas le genre de chose dont ils voudraient remuer les souvenirs.Mais Marillion a sauté, et ce serait finalement leur refonte. Leur sombre chef-d'œuvre a commencé une chaîne d'événements – certains douloureux, d'autres non – qui ont abouti à leur renaissance éventuelle. "C'était nous mettant deux doigts à la musique", explique Steve Rothery. «Cela est revenu pour nous mordre à l'arrière, mais cela nous a également permis de tracer une voie de notre propre fabrication. Il était responsable de notre cheminement ultérieur, de tout le financement participatif et de la réinvention de la façon dont un groupe peut fonctionner. Et c'est pourquoi nous sommes toujours là. " (Crédit d'image: EMI)
Cet article a été initialement publié dans Prog 87.

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